Музыка как вид искусства

Содержание

1. Народная музыка

2. Детский фольклор

3. Вокальное искусство

4. Хоровая музыка

5. Камерная музыка

6. Симфоническая музыка

7. Опера

8. Балет

Литература

1. Народная музыка

Народная музыка (фольклорная) - художественная коллективная творческая деятельность народа, отражающая его жизнь, воззрения, идеалы. Создаваемая народом и бытующая в народных массах музыка - песни, инструментальные наигрыши и пьесы. Народное творчество вообще и народная музыка в частности, зародившееся в глубокой древности, - историческая основа всей мировой художественной культуры, источник национальных художественных традиций, выразитель народного самосознания.

Русская народная музыка. Истоки русской народной музыки восходят к фольклору славянских племен, которые жили на территории Киевской Руси, первого русского государства, сложившегося в 10 веке. Русская народная музыка не была однородна, как не были однородны племена, составлявшие Киевскую Русь; кроме славянских, она включала в себя финно-угорские, тюркские и другие прототипы. До сих пор в русском фольклоре ощущаются региональные, часто этнические (донациональные) традиции. Так, свои особенности имеет народно-песенное искусство северных, западных, южных, центральных областей, поселений в бассейнах крупных рек – Оки, Волги, Дона. Многие виды бытующих и теперь песен имеют языческие корни, иногда в сочетании с влиянием христианской обрядовости.

Жанровая система русского фольклора включает следующие основные виды: календарные обрядовые песни; песни свадебного цикла; эпос; танцевальные жанры; лирические песни; частушки.

Инструментальная музыка занимает несравнимо меньшее место, нежели вокальная: церковный запрет на использование музыкальных инструментов в храме, по-видимому, оказал влияние и на фольклор.

Инструменты в фольклорной традиции используются в основном либо в быту пастухов, либо для аккомпанемента некоторых видов танцев и песен. Наиболее распространенные струнные инструменты – гудок, гусли. Наиболее известные духовые инструменты: дудка (она же сопель, пищалка); жалейка (рожок) – инструмент с одним или двумя деревянными стволами, с раструбом из рога; кувиклы. В летописях упоминаются также военные трубы, охотничьи рога, бубны. С 19-20 вв. распространение в народном быту получили такие инструменты, как балалайка, мандолина, гитара, баян (гармонь).

В песенном фольклоре особое место занимает цикл календарных песен, наиболее типичный для западных, юго-западных и некоторых центральных областей; он состоит из малых циклов, строго приуроченных ко времени года и праздникам языческого календаря (на них часто «накладываются» даты христианских праздников). Для этих песен характерна жесткая регламентация кратких ладовых и ритмических формул в каждом цикле, большая их устойчивость; здесь сохраняются древнейшие бесполутоновые и узкообъемные звукоряды.

Древнее происхождение имеют также эпические жанры – былины (старины), скоморошины, некоторые виды духовных стихов, а также некоторые исторические песни. Коренная эпическая традиция дожила до 20 века в устном крестьянском творчестве в основном на русском Севере, а также у донских казаков.

Наиболее сложным в музыкальном отношении жанром русского фольклора является лирическая песня и ее высшая форма – протяжная, которая предположительно сложилась в 16-17 вв. в Московской Руси. С этим видом связывают возникновение народного многоголосия полифонического или гетерофонного (подголосочного) типов с участием солирующих голосов. Весьма развитыми в мелодическом отношении являются также некоторые виды плачей, входящих в свадебный обряд, и плачей погребальных: для них характерна экспрессивность, возникающая в результате сочетания обрядовых формул с личной импровизацией исполнительницы (обычно женщины).

К самым поздним жанрам относятся получившие распространение с 19 века:

частушки – жанр русского словесно-музыкального народного творчества, короткая песенка быстрого исполнения. Частушка особенно ярко раскрывает душу русского человека, распахивает целый мир человеческих характеров, переживаний, страстей. Гамма чувств, выраженных в частушке, простирается от легкой усмешки до ядовитой подковырки; не лишен этот жанр и определенной доли озорства, высказанного «соленным» словцом, не содержащих, однако, откровенного мата. Будучи откликом на какое-либо событие, обращенная к определенному лицу или слушателям, частушка отличается прямотой высказывания, реалистичностью, экспрессией.

городская лирическая песня (романс) - музыкально-поэтическое произведение для голоса с инструментальным сопровождением. Название «романс» носят и некоторые инструментальные пьесы напевного характера. Романс - это вокальное сочинение, написанное на небольшое стихотворение лирического содержания, преимущественно любовного. Но форме романс схож с песнью; как и последняя, он пишется в коленном складе, но в нем не обязательна та квадратура, та четность тактов, которые преследуются в песне. В романсе допускаются отступления в виде т.н. расширений или вставок, переходов от одного колена к другому. Вокальная партия романса имеет ясное и рельефное мелодическое очертание и отличается певучестыо. В романсе обращает внимание передача общего настроения текста, чем подробная иллюстрация его деталей. Интерес главным образом лежит в мелодии, а не в аккомпанементе.

Романс пишется для пения с аккомпанементом одного инструмента, преимущественно фортепиано, важнейший жанр камерной вокальной музыки. Но он встречается и в операх (например Р.Рауля в первом действии «Гугенотов»). Форма романса перешла и в инструментальную музыку под названием «romance sans paroles»: это - пьеса в коленном складе, с преобладающим мелодическим значением, такие романсы пишутся для фортепиано или для какого-нибудь другого сольного инструмента, с аккомпанементом. Романс развился из песни, это - продукт новейшего времени. Шуберт, Шуман, Мендельсон, Брамс, Григ, Массене, Гуно - лучшие представители романса на западе. Из русских композиторов замечательные образцы в этом роде дали Глинка, Даргомыжский, Чайковский, Рубинштейн.

Первые сборники народных песен были изданы в России во второй половине 18 века: «Собрание русских простых песен с нотами» В.Ф.Трутовского и «Собрание народных русских песен» с их голосами» Н.А.Львова и Ивана Прача. В дальнейшем широкой известностью пользовались собрания народных песен Д.Н.Кашина и И.А.Рупина. Еще ранее, в середине 18 веке, был составлен первый рукописный сборник былин, исторических песен, духовных стихов и др. с нотами, отражающий северную традицию, – т.н. сборник Кирши Данилова, изданный с нотами частично лишь в следующем столетии.

Одним из первых фольклорных коллективов в России стала Славянская капелла Д.А.Агренева-Славянского, которая пропагандировала русскую и славянскую народную песню в России и за рубежом. В начале 20 веке возникли – Оркестр русских народных инструментов В.В.Андреева и Русский народный хор М.Е.Пятницкого.

2. Детский фольклор

Детский фольклор - это специфическая область народного творчества, объединяющий мир детей и мир взрослых, включающий целую систему музыкально-поэтических жанров фольклора.

Колыбельная песня предназначена младенцу, поет ее мать. Назначение колыбельных песен убаюкать, усыпить ребенка. Творцами колыбельных песен преимущественно являются матери и бабушки, а пользуются ими все, кто нянчит детей. Детям, лежащим в колыбели, слова песни еще непонятны, но нежность, вложенная в мелодию и слова пробуждает их душу и сердце, как бы готовит почву, создает благоприятные условия для последующих воспитательных воздействий. Колыбельная песнь - величайшее завоевание народной педагогики, она нераздельно соединена с практикой воспитания детей именно в том самом нежном возрасте, когда ребенок - еще беспомощное существо, требующее постоянного заботливого внимания, любви и нежности, без которых он просто не выживет.

Основное содержание колыбельных песен - любовь матери к своему ребенку, ее мечты о его счастливом будущем. Колыбельные песни народов собирались плохо, утеряны многочисленные импровизации, отличавшиеся, как можно полагать, изумительными поэтическими и педагогическими достоинствами.

Заслуживающими внимание являются пестушки и потешки. В них подрастающий ребенок всецело занимает внимание взрослого. Пестушки получили свое название от слова пестовать - нянчить, носить на руках. Это короткие стихотворные припевы, которыми сопровождают движения ребенка при пестовании.

Пестушки - произведения, предназначенные для сопровождения физических упражнений и гигиенических процедур, необходимых для младенца. Ритмичные, веселые приговоры, соединенные с приятными для ребенка поглаживаниями (потягушки после сна), бодрыми или плавными движениями ручек и ножек (лунь плывет, сова летит), доставляли удовольствие и развивали как физически, так и эмоционально.

В потешках - первых играх взрослых с маленькими детьми - поэтические произведения соединяются с простейшим сюжетом, в котором персонажами становятся пальчики, ручки, ножки малыша, руки того, кто его забавляет (Ладушки, Сорока-ворона, Коза рогатая, Ехал мальчик маленький).

Прибаутки - песенки или приговоры более сложного содержания, которыми взрослые забавляли детей (отсюда название «забавки», «забавушки»). От потешек они отличаются тем, что не связаны с игровыми действиями, а привлекают внимание ребенка исключительно поэтическими средствами. По содержанию прибаутки - маленькие сказочки в стихах с обилием интересных ребенку антропоморфных персонажей.

Собственно детский фольклор включает несколько жанровых объединений. Календарный объединяет заклички и приговорки, воздействующие на природу. Игровые жанры составляют самую значительную по количеству произведений, разнообразию их типов и форм часть детского фольклора. Игровые припевы и приговорки по своему происхождению глубоко уходят в древность, отражая старинные обрядовые обычаи и игры. Традиционные детские игры были тесно связаны с жизнью и бытом крестьян, имитировали охоту, посев и обработку льна, свадебные обряды и др.

Отрочество - период детства, наименее богатый фольклорными произведениями. Среди детей подросткового возраста более всего распространены веселые, шуточные песни: народ даже в тяжелых условиях жизни оберегал детей от горестных раздумий, старался держать их подальше от общественных бедствий и социального зла, все равно непонятных и недоступных детскому сознанию. Однако это отнюдь не означает, что в репертуаре подростков отсутствовали песни с серьезным содержанием, прививающие детям моральные убеждения, вызывающие у них чувство жалости и сочувствия, искреннее желание помочь человеку в беде, призывающие к борьбе за свободу и человеческое достоинство. Во многих песнях подростков воспеваются трудолюбие, смелость, храбрость, решительность и т.п.

У подростков есть и своя поэзия. Это - жеребьевки, скороговорки, считалки, дразнилки в многочисленных разновидностях. В считалках строго соблюдаются созвучия и ритм, художественная функция их - именно в своеобразной игре словом и ритмом, для которых характерна бойкость и красочность. При исполнении считалок дети оформляют их какой-либо простейшей мелодией, а порою просто используют мелодию той или иной известной детской песни. В этих жанрах особенно проявилась творческая фантазия детей, хотя толчком для нее часто становились произведения, созданные взрослыми.

Дети нередко пользуются дразнилками и поддевками. Это своеобразная форма детской сатиры, в которой высмеивается обидчик или капризный ребенок, неподчиняющийся правилам игры. Они способствуют психологической закалке ребенка, помогая ему найти свое место среди сверстников с помощью испытания острым (на детский взгляд) словом. Дразнилка - унаследованный от взрослых жанр, который включает также прозвища, клички, присловья. Содержание дразнилок почти всегда смешное. В редких случаях дразнилки или какой-то элемент их оформлялись простейшей мелодией, т.е. по характеру были близки к шуточным песням. Некоторые дразнилки осуждают отрицательные качества и явления: плаксивость, ябедничество, обжорство, воровство (Ябеда-корябеда, соленый огурец). Ребенок, умеющий за себя постоять, найдет и подходящий ответ обидчику, отговорку: «Обзывайся целый год, все равно ты - бегемот, обзывайся целый век, все равно я - человек».

Поддевки - тоже вид сатирического детского фольклора. Они представляют собой диалог, в котором человек ловится на слове (Скажи Медь! – Медь. - Твой отец медведь).

Современная детская устная культура все более обособляется от культуры взрослых, изменяются типы отношений между двумя этими формами культуры. Происходит переориентация на другие фольклорные жанры взрослых - частушку, анекдот, песни-переделки, а также на произведения, созданные профессиональными авторами.

Дети растут быстро. Взрослея, забывают детский фольклор так, как будто его никогда и не было в их жизни. На место повзрослевших приходят новые поколения детей. А детский фольклор живет долго, иногда - очень долго. Прочность традиции удивительна, ведь дети единственные в современном обществе передают свою культуру старинным способом – «из уст в уста», «делай, как я».

3. Вокальное искусство

Пение (вокальное искусство) - исполнение музыки голосом, искусство передавать средствами певческого голоса идейно-образное содержание музыкального произведения, один из древнейших видов музыкального искусства. Пение может быть со словами и без слов. Обычно пение сопровождается инструментальным аккомпанементом, но может осуществляться и без него - а капелла. Для исполнения профессиональной музыки голос должен быть специально приспособлен и развит. Пение различается:

по видам - сольное (одноголосое), ансамблевое (на два голоса - дуэт, на три - трио, на четыре - квартет и др.) и хоровое;

по жанрам - оперное, связанное с драматическим действием, с театральным представлением, включающее в себя все виды вокального искусства и камерное (концертное исполнение арий, романсов, песен главным образом соло или небольшими ансамблями). В лёгкой музыке соответственно существуют жанр оперетты и эстрадный жанр, включающий множество стилей пения (в народной манере, говорком, нараспев, в микрофон и др.).

Существуют три основных типа построения вокальных мелодий и соответственно три манеры пения:

певучий стиль, где требуется широкое, плавное, связное пения – кантилена;

декламационный стиль, где пение воспроизводит строение и интонации речи (речитатив - род вокальной музыки, приближающийся к естественной речи при сохранении фиксированного музыкального строя и регулярной ритмики. Применяется в опере, оратории, кантате. В 17-18 вв. возникли «сухой речитатив», в сопровождении аккордов клавесина и «аккомпанированный речитатив», с развитым оркестровым сопровождением. Речитативные интонации встречаются и в песнях, инструментальной музыке и монологи);

колоратурный стиль, где мелодия в известной мере отходит от слова и уснащается многими украшениями, пассажами, исполняемыми на отдельные гласные или слоги.

Пение без слов – вокализ (от франц. Vocalise - гласный звук), музыкальное произведение для пения без слов на гласный звук, обычно упражнение для развития вокальной техники. Известны и вокализы для концертного исполнения.

Различные национальные школы пения характеризуются своим стилем исполнения, манерой звуковедения и характером певческого звука. Национальная школа пения как исторически сложившееся стилистическое направление оформляется тогда, когда возникает национальная композиторская школа, выдвигающая перед певцами определённые художественно-исполнительские требования. В национальной манере пения находят отражение исполнительские традиции, особенности языка, темперамент, характер и др. качества, типичные для данной национальности.

Первой европейской школой пения была итальянская - она сложилась в начале 17 века. Выделяясь совершенной техникой бельканто и блестящими голосами, многие её представители получили мировое признание. Вокальность итальянского языка и удобство для голоса итальянских мелодий позволяют максимально использовать возможности голосового аппарата. Итальянская школа выработала эталон классического звучания голоса, которому в основном следуют остальные национальные школы пения. Высокое совершенство итальянского певческого искусства оказало влияние на формирование и развитие других национальных вокальных школ - французской, отличительную особенность которой составляют декламационные элементы, происходящие от распевной декламации актёров французской классической трагедии, немецкой, в своём развитии отвечавшей требованиям, которые ставила перед исполнителями вокальная музыка крупнейших немецких и австрийских композиторов, самобытной, ведущей начало от манеры исполнения народных песен, русской школы.

Русская вокальная школа оформилась под влиянием художественных требований искусства русских композиторов-классиков М.И.Глинки, М.П.Мусоргского, П.И.Чайковского и др. Исполнительский стиль её выдающихся представителей Ф.И.Шаляпина, Л.В.Собинова, и др. характеризовался мастерством драматической игры, простотой, задушевностью исполнения, умением сочетать пение с живым, психологически окрашенным словом.

4. Хоровая музыка

Хоровое пение - достаточно специфическая область искусства, имеющее в своей основе идею приобщения к музыке посредством коллективного пения. Через голос человек выражает всю гамму своего чувственного мира, все богатство и разнообразие эмоциональных состояний. А пение в хоре - это общение между людьми именно на уровне этих чувств и состояний, общение, не нуждающееся в словесных пояснениях.

Хоровое пение у наших предков занимало главенствующее место на праздниках, в богослужениях, в театральных зрелищах. Участие в хоре считалось священным долгом. Именно хоровое искусство укрепляло самые лучшие качества в человеке, воспитывало нравственную красоту и очищало душу. В средние века отношение к искусству определялось влиянием церкви, но даже на этом переломном этапе церковь не отвергала, а, наоборот, преклонялась перед чудотворным воздействием хорового пения. Люди видели в этом искусстве удивительную силу - сплачивать людей, объединяя их через унисонное пение, примиряя враждующих и соединяя их в дружбу. Хор действительно являлся «формой единения единств». Певцы в хор набирались по велению души и сердца. Хоровое воспитание укрепилось в жизни человека, оно являлось единственной отрадой и отдушиной для раскрытия глубоких душевных чувств. Каждая эпоха принимала данную эстафету как реликвию времени, насыщая ее лучшим. Эпоха Возрождения укрепила хоровое пение, усложнив его многоголосием. Постепенно хоры обосновывались в светской жизни; они стали звучать на приемах и балах.

В русской музыкальной культуре хоровое пение главенствовало, и до XVIII века хоровой жанр успешно развивался. Все хоровые коллективы можно разделить на профессиональные, любительские, бытовые.

Первый русский профессиональный хор был основан в XV веке - хор государственных певчих дьяков. В начале XVIII века на его основе в Петербурге была создана Придворная певческая капелла. Этот коллектив, а также Синодальный хор в Москве сыграли значительную роль в развитии хорового искусства России. В XIX веке появляются и светские капеллы - хоры Ю.Н.Голицына, А.А.Архангельского, Д.А.Агренева-Славянского. В 1910 году М.Е.Пятницкий организовал народный хор, который стал первым народным профессиональным музыкальным коллективом. Участники академических профессиональных коллективов специально обучаются пению, их голоса звучат ровно на всех участках диапазона; диапазон может достигать двух октав. Они владеют певческим дыханием, дикцией, динамикой и другими вокальными навыками. К профессиональным хорам относятся также ансамбли песни и пляски и народные хоры.

Бытовые хоры, как правило, организовывались по принципу совместной трудовой деятельности или места жительства. Так, например, в деревнях старой России во время полевых работ или отдыха возникал хор. Среди работающих находился талантливый запевала, который начинал песню и вёл её до конца. Все остальные, внимательно слушая ведущий голос, подстраивались к нему, украшая его своим мелодическим узором и лилась песня, исполненная великой любви к жизни. Такой самодеятельный, как принято теперь называть, хор существовал практически в каждой деревне, в каждом селе.

Любительские хоры - это коллективы, состоящие из певцов, для которых пение в хоре не является профессией. Они возникли во многих странах в связи с организацией специальных хоровых обществ. Многие любительские хоры достигают высокого уровня исполнительства, и нередко композиторы доверяют им исполнять свои сочинения впервые. В СССР любительское хоровое искусство получило необычайный размах. Хоровые коллективы были в университетах, институтах, средних специальных учебных заведениях и школах.

Тип хора определяется в зависимости от того, какие партии его составляют. Хор, состоящий из женских голосов, называется однородным женским хором. Аналогично – мужской хор называется однородным мужским, а хор, состоящий из мальчиков и девочек, называется детским хором. Существует традиция исполнения произведений, написанных для детского хора, женским составом и наоборот.

Хор, состоящий из мужских и женских голосов, называется смешанным хором. К типу смешанных хоров относятся также неполные смешанные хоры. Неполные смешанные хоры - это такие хоры, где отсутствует какая-либо одна из партий. Чаще всего это басы или тенора, реже - какие-либо из женских голосов.

Обычный смешанный хор состоит из четырёх партий: женские голоса - сопрано и альты (если в хоре поют мальчики, то сопрановая партия называется дискантами), мужские голоса - тенора и басы. Каждая партия в свою очередь может делиться на несколько самостоятельных групп в зависимости от партитуры исполняемого сочинения. Количество партий в хоре определяет его вид: двух-, трёх-, четырёх-, шести-, восьмиголосный и т. д.

Уменьшение и увеличение числа реально звучащих партий путем дублирования или, наоборот, разделения может дать новые виды хора. Например: однородный одноголосный хор, однородный четырехголосный хор, смешанный восьмиголосный хор, смешанный одноголосный хор и т.д.

Дублирования и разделения могут быть как постоянные, так и временные. Хоровая партитура с нестабильным изменением количества голосов будет иметь вид, называемый эпизодическим одно-, двух-, трех-, восьмиголосием, с обязательным указанием стабильного числа голосов (например, однородный двухголосный женский хор с эпизодическим трехголосием).

Минимальный состав хора - 12 человек (по три человека в партии), максимальный - 100-120 человек. Иногда несколько коллективов объединяются в сводный хор. В таком хоре поют 200, 400, 600, 800 человек. Сводные хоры выступают на больших праздничных концертах, на праздниках песни.

Давно известно, что голоса мальчиков, прошедшие специальную подготовку, отличаются замечательной подвижностью, красотой, серебристостью звучания. Именно на эти качества детских голосов обратило внимание духовенство и включило мальчиков в церковные хоры. Такие капеллы существовали во многих странах Европы уже в средние века, а с XVIII века и в России. Для подготовки малолетних певчих создавались специальные школы.

Кроме простых хоров существуют также многохорные составы, когда в исполнении произведений одновременно участвуют несколько хоров, имеющих самостоятельные хоровые партии. Такие многохорные партитуры особенно часто встречаются в оперной музыке. В православной музыкальной практике также существует традиция сочинения так называемых антифонных (антифонное пение (буквально – звук против звука) – тип исполнения, при котором попеременно звучат два хора, например, левый и правый клиросы в православной церкви) произведений, при которой два хора поют, как бы отвечая друг другу. Такие составы называются соответственно: двойные, тройные и т.д.

5. Камерная музыка

Камерная музыка - это инструментальная или вокальная музыка для небольшого состава исполнителей: сольные сочинения, различного рода ансамбли (дуэт, трио и др.), романсы и песни. Камерная музыка развилась рядом с оркестровой с XVI столетия и тяготела более к инструментальной, чем к вокальной музыке.

В первоначальном значении камерная музыка была предназначена для исполнения в относительно небольших (преимущественно домашних) помещениях – в отличие от музыки, предназначенной для исполнения в церкви, театре или большом концертном зале, почему число исполнителей весьма ограничено, инструменты выбираются не особенно сильные по звуку, например струнные (квартеты, квинтеты, секстеты, октеты), гораздо реже духовые деревянные (квинтет Моцарта для кларнета со струнными, квинтет Бетховена для фортепиано, гобоя, кларнета, фагота, валторны, его же септет es-dur для фортепиано, скрипки или альта, виолончели, контрабаса, кларнета, фагота, валторны).

Постоянное исполнение камерной музыки в публичных концертах изменило значение термина. С конца 18 века выражение «камерная музыка» прилагается к произведениям, написанным для исполнения ансамблем, в котором каждая партия предназначается одному исполнителю (а не группам, как в хоре и оркестре) и все партии более или менее равноправны (в отличие от произведений для солирующего голоса или инструмента с аккомпанементом).

В истории камерной музыки просматриваются три периода:

1. Период с 1450 по 1650 гг., для которого характерно развитие техники игры на виолах и инструментах других семейств, постепенное выделение чисто инструментальной музыки при сохраняющемся преобладании вокального стиля. Среди дошедших до нас сочинений этого периода, написанных специально для инструментальных составов без голосов, – фантазии Орландо Гиббонса и канцоны и сонаты Джованни Габриели.

2. Период с 1650 по 1750 гг. отмечен распространением жанра трио-сонаты (обычно они сочинялись для двух скрипок и виолончели с клавиром, который обеспечивал гармоническую основу) и других ансамблей, как инструментальных, так и с участием голосов, которые обязательно сопровождались т.н. цифрованным басом (аккордами) клавишного инструмента. Среди мастеров трио-сонаты этого периода – Арканджело Корелли, Генри Пёрселл и Гендель.

3. Период с 1750 года и до современности, в котором доминирует струнный квартет, состоящий из двух скрипок, альта и виолончели.

Основная структура современной камерной музыки – почти всегда трех- или четырехчастный сонатный цикл. Свободные, часто программные формы, пристрастием к которым отмечена оркестровая музыка в 19 века, мало повлияли на камерные жанры, поскольку ограниченные тембровые возможности камерных ансамблей не предоставляли больших возможностей для создания оригинального колорита и сильных драматических эффектов.

Современный камерно-инструментальный репертуар до сих пор имеет в своей основе сочинения классиков: струнные трио и квартеты Гайдна и Моцарта, струнные квинтеты Моцарта и Боккерини, а также квартеты Бетховена и Шуберта.

В послеклассический период большинство крупных композиторов, принадлежавших к разным направлениям (романтизм, импрессионизм и экспрессионизм), писали камерную музыку, но все же в общераспространенном репертуаре закрепились лишь отдельные ее образцы: например, фортепианный квинтет Шумана, трио, квартеты, квинтеты и секстеты Брамса, струнные квартеты Дебюсси и Равеля.

По принятой классификации, в понятие «камерная музыка» включаются дуэты, трио, квартеты, квинтеты, секстеты, септеты, октеты, нонеты и дециметы, при самых разнообразных составах инструментов. К камерным относятся также некоторые жанры для соло с аккомпанементом: например, романсы (камерно-вокальный жанр) или инструментальные сонаты (камерно-инструментальный жанр). Существует «камерная опера» (например, Ариадна на Наксосе Р.Штрауса, 1925), подразумевающая небольшое число исполнителей и камерную атмосферу действия. Термин «камерный оркестр» прилагается к оркестру, насчитывающему не более 25 исполнителей (т.е. типичному оркестру эпохи Гайдна и Моцарта); однако следует различать «малый оркестр», который есть не что иное, как несколько уменьшенный «большой оркестр», и «камерный оркестр», который предполагает лишь по одному исполнителю на партию (возможно, по два исполнителя на первых и вторых скрипках и альтах) и достаточную самостоятельность каждой партии.

Струнная камерная или так называемая квартетная музыка достигла апогея своего развития в особенности при Бетховене. После Бетховена камерную музыку писали Шуберт, Мендельсон, Шуман, Брамс, Сен-Санс и др. В России в этой области работали Глинка, Рубинштейн, Чайковский, Бородин, Афанасьев, Кастриот-Скандербек, Римский-Корсаков, Глазунов, Танеев, Аренский, Направник.

Для поддержания этого искусства неоднократно назначались в Санкт-Петербурге конкурсы Императорским Русским Музыкальным Обществом и обществом камерной музыки, к этой области относятся также романсы для пения, небольшие фортепианные пьесы, сонаты для фортепиано или фортепиано и струнного инструмента. Исполнение камерной музыки должно отличаться большой тонкостью, детальностью.

Настоящая камерная музыка, в соответствии с современным взглядом, носит сосредоточенный, углубленный характер, поэтому камерные жанры лучше воспринимаются в небольших помещениях, в свободной обстановке, нежели в обычных концертах и в неподходящей для подобной музыки акустической среде больших залов. Эта отрасль музыкального искусства, требующая тонкого знания форм, гармонии, контрапункта, выработалась в более позднее время, под влиянием величайших музыкальных гениев.

6. Симфоническая музыка

Симфоническая музыка - музыкальные произведения, предназначенные для исполнения симфоническим оркестром. Включает крупные монументальные произведения и небольшие пьесы. Главные жанры: симфония, сюита, увертюра, симфоническая поэма.

Симфонический оркестр, большой коллектив музыкантов, включает три группы инструментов: духовые, ударные, струнные смычковые.

Классический (парный, или двойной) состав малого симфонического оркестра сложился в творчестве Й.Гайдна (духовые парного состава, литавры и струнный квинтет). Современный малый симфонический оркестр может иметь ненормированный состав.

В большом симфоническом оркестре (с начала 19 века) расширены группы духовых, ударных, введены арфы, иногда рояль; группа струнных смычковых численно увеличена. Название состава симфонического оркестра определяется по числу инструментов каждого семейства духовых (парный, тройной и т. д.).

Симфония (от греч. symphonia - созвучие), - музыкальное произведение для симфонического оркестра, написанное в сонатной циклической форме высшая форма инструментальной музыки. Обычно состоит из 4 частей. Классический тип симфонии сложился в конце 18 - начале19 вв. (Й.Гайдн, В.А.Моцарт, Л.В.Бетховен). У композиторов-романтиков большое значение приобрели лирические симфонии (Ф.Шуберт, Ф.Мендельсон), программные симфонии (Г.Берлиоз, Ф.Лист).

Важный вклад в развитие симфоний внесли западноевропейские композиторы 19-20 вв.: И.Брамс, А.Брукнер, Г.Малер, С.Франк, А.Дворжак, Я.Сибелиус и др. Значительное место занимают симфонии в российской музыке: А.П.Бородин, П.И.Чайковский, А.К.Глазунов, А.Н.Скрябин, С.В.Рахманинов, Н.Я.Мясковский, С.С.Прокофьев, Д.Д.Шостакович, А.И.Хачатурян и др.

Циклические формы инструментальной музыки, - музыкальные формы, складывающиеся из нескольких относительно самостоятельных частей, раскрывающих в совокупности единый художественный замысел. Сонатная циклическая форма состоит, как правило, из четырех частей — быстрой 1-й в сонатной форме, медленной лирической 2-й, быстрой 3-й (скерцо или менуэт) и быстрой же 4-й (финал). Такая форма характерна для симфонии, иногда сонаты, камерного ансамбля сокращенная циклическая форма (без скерцо или менуэта) типична для концерта, сонаты. Другой тип циклической формы образуют сюита, иногда вариации (оркестровые, фортепианные), в которых количество и характер частей могут быть различными. Встречаются и вокальные циклы (серии песен, романсов, ансамблей или хоров), объединенные сюжетом, словами одного автора и др.

Сюита (франц. suite, букв. - ряд, последовательность), инструментальное циклическое музыкальное произведение из нескольких контрастирующих частей. От сонаты и симфонии сюиту отличает отсутствие строгой регламентации количества, характера и порядка частей, тесная связь с песней и танцем. Сюита 17-18 вв. состояла из аллеманды, куранты, сарабанды, жиги и др. танцев. В 19-20 вв. создаются оркестровые нетанцевальные сюиты (П.И.Чайковский), иногда программные («Шехерезада» Н.А.Римского-Корсакова). Встречаются сюиты, составленные из музыки опер, балетов, а также музыки к театральным постановкам.

Увертюра (франц. ouverture, от лат. apertura - открытие, начало), оркестровое вступление к опере, балету, драматическому спектаклю и т. п. (часто в сонатной форме), а также самостоятельная оркестровая пьеса, обычно программного характера.

Симфоническая поэма - жанр симфонической программной музыки. Одночастное оркестровое произведение, в соответствии с романтической идеей синтеза искусств допускающее разнообразные источники программы (литература, живопись, реже философия или история). Создатель жанра — Ф.Лист.

Программная музыка - музыкальные произведения, которые композитор снабдил словесной программой, конкретизирующей восприятие. Многие программные сочинения связаны с сюжетами и образами выдающихся литературных произведений.

7. Опера

Опера (итал.opera, буквально - сочинение) - музыкально-драматическое произведение, основанное на синтезе слова, сценического действия и музыки, в котором партии актеров полностью или большей частью поются. Опера - это пьеса, в которой партии поются. В опере соединены музыка, слово и сценическое действие, причем музыке, как правило, отводится преобладающая роль. Возникла в Италии на рубеже 16 и 17 веков. В ходе исторической эволюции выработаны разнообразные оперные формы: ария, речитатив, вокальный ансамбль, хоры, оркестровые номера (увертюра, антракты). Иногда опера включает балетные сцены, разговорный диалог, мелодраму.

Разновидности оперы: историко-легендарная, героико-эпическая, народно-сказочная, лирико-бытовая и др. Некоторые виды оперы тесно связаны с определенной национальной культурой и эпохой — итальянская опера-сериа (серьезная), опера-буффа (комическая), французская большая опера, опера-комик, лирическая опера, немецкая и австрийская зингшпиль, английская балладная опера. Первые русские оперы появились во второй половине 18 века.

Главные партии в опере исполняются солистами, но существует еще хор. Оркестр играет самостоятельно в начале оперы и перед каждым новым действием. Он аккомпанирует певцам и действию оперы.

Исполняемая перед началом оперы музыка называется увертюрой или прелюдией. В опере два вида сольных партий. Ария напоминает длинную песню. Речитатив звучит как декламирование под музыку. Полное содержание оперы называется либретто. Партитура - это музыка к опере, записанная целиком.

Важнейший предшественник оперы — итальянская интермедия. Жанр оперы сложился в творчестве флорентийских музыкантов и поэтов конца 16 века, объединенных стремлением возродить античный род выразительного сольного пения с простым инструментальным сопровождением.

Первыми настоящими операми были представления («драмы на музыке») пасторального содержания, которые разыгрывались при дворах флорентийских вельмож. 1600 год принято считать началом оперы. В этом году опера «Эвридика», композитора Якопо Пери и поэта Оттавио Ринуччини, была исполнена на свадьбе французского короля Генриха IV. «Эвридика» - первая опера, музыка которой сохранилась полностью. Опера «Дафна», этих же авторов, поставленная в 1598 - утрачена.

Вскоре новый «драматический стиль» утвердился и при других итальянских дворах. Первой оперой, поставленной вне Флоренции, был «Орфей» К.Монтеверди. В 1630-х годах опера начала терять статус аристократического развлечения. Первый общественный оперный театр открылся в 1637 в Венеции.

В 1660-х годах установилась схема оперной арии из трех разделов (ABA или ABB). Aрии заняли в опере господствующее положение, вытеснив ариозо, с другой стороны, речитативы утратили мелодичность и по характеру декламации приблизились к речи. Сюжеты стали более разнообразными, их развитие - более интенсивным и энергичным. Важное место в спектаклях отводилось ярким зрелищным эффектам. Венецианский оперный стиль, представленный творчеством Кавалли, Дж.Легренци, А.Сарторио, К.Паллавичино.

Большое значение для его популяризации имела деятельность странствующих трупп. С 1650 года такие труппы начали действовать в Неаполе, и вскоре этот город стал главным соперником Венеции как центра оперного искусства. Около 1700 года по всей Италии утвердился более или менее единый оперный стиль, состоящий из трех актов. Перед началом первого акта исполняется инструментальная увертюра - в терминологии того времени «симфония», складывающаяся из трех разделов: двух быстрых по краям и медленного в середине. Внутри актов речитативы чередуются с ариями, причем последние почти всегда выдержаны в трехчастной форме ABA (так называемая ария da capo). Дуэты и ансамбли для большего числа солистов редки. Последний акт завершается «хором», в котором участвуют все персонажи.

Во Франции - стране, где танец традиционно преобладал над пением, развитие оперы пошло по иному пути. Французская опера раннего барокко, представленная прежде всего, так называемыми лирическими трагедиями любимого композитора Людовика XIV Ж. Б. Люлли - это относительно короткий спектакль на героический или мифологический сюжет. В такой опере пять актов, и она непременно включает торжественные сцены с хорами и балетом, не имеющие прямого отношения к сюжету и призванные отразить величие короля.

Как во Франции, так и в Германии конца 17 века широко ставились итальянские оперы. Немецкие композиторы этого и более позднего времени писали также оперы на итальянские тексты. Вместе с тем, после 1678 года, когда в Гамбурге открылся оперный театр, в Германии умножилось число опер на немецком языке. Ведущим гамбургским оперным композитором начала 18 века был Райнхард Кайзер. Для гамбургского театра были написаны первые оперы-сериа Г.Ф.Генделя.

Музыка опер-сериа организована согласно устойчивому набору правил: драматическое действие разворачивается в речитативах, тогда как эмоции персонажей выражаются посредством арий. На протяжении большей части 18 в. композитор в опере не был ведущей фигурой. Создателями большинства оперных спектаклей были музыканты и поэты, состоявшие на службе в театрах; они широко использовали чужую музыку и непременно учитывали требования ведущих певцов-солистов, прежде всего кастратов и сопрано, чье бельканто служило главной приманкой для публики.

Несколько позднее новый вызов условностям оперы-сериа был брошен со стороны «низких» форм музыкальной культуры. Параллельно «серьезной» опере существовали и развивались такие незатейливые, простонародные жанры, как опера-буффа (в Италии), комическая опера или комедия с ариеттами (во Франции), балладная опера (в Англии), зингшпиль (в Германии). С течением времени они начали существенно влиять на оперу-сериа, которая эволюционировала в направлении более свободной и гибкой трактовки стандартных сюжетных ходов и музыкальных форм. Строгая схема арии da capo подверглась значительным модификациям; появились совершенно новые разновидности арии; возросло значение речитатива с оркестровым сопровождением и хора. В конечном счете наступило фактическое слияние итальянских и французских стилистических черт.

Главными этапами этого эволюционного процесса стали оперные реформы Т.Траэтты, Н.Йоммелли и особенно К.В.Глюка. Принципы глюковской реформы изложены в его предисловии к изданию партитуры оперы «Aльцеста» и сводятся в основном к следующему: музыка должна выражать содержание поэтического текста; следует избегать оркестровых ритурнелей и особенно вокальных украшений, которые лишь отвлекают внимание от развития драмы; увертюра должна предвосхищать содержание драмы, а оркестровое сопровождение вокальных партий — соответствовать характеру текста; в речитативах должно быть подчеркнуто вокально-декламационное начало, то есть контраст между речитативом и арией не должен быть чрезмерным.

Большая часть этих принципов воплотилась в первой и лучшей из реформаторских опер Глюка «Орфее и Эвридике». Речитативы с оркестровым сопровождением, ариозо и арии не разделены в этой опере резкими границами, а отдельные эпизоды — в том числе танцы и хоры — объединены в крупные сцены со сквозным драматическим развитием. В отличие от сюжетов опер-сериа с их запутанными интригами, переодеваниями и побочными линиями, сюжет «Орфея» апеллирует к простым человеческим чувствам.

Важное значение для истории оперы имела и реформа венецианского драматурга К.Гольдони и его соотечественника, композитора Б.Галуппи - создателей более сложной и богатой разновидности оперы-буффа, известной под жанровым наименованием веселая драма. Высший синтез оперы 18 века был достигнут в зрелом творчестве В.А.Моцарта.

К началу 19 века даже «серьезная» опера перестала быть искусством для богатой и высокородной аудитории и сделалась достоянием широкой публики. На волне этого процесса «демократизации» возникла и расцвела опера спасения. Вкусами широкой публики был предопределен и расцвет французского романтического жанра grand opera с захватывающими сюжетами, колоритной оркестровкой и масштабными хоровыми сценами. В Германии особой популярностью пользовались оперы на сказочные и фантастические сюжеты.

В 19 веке на востоке Европы сложились новые значительные оперные школы - русская, чешская, позднее также польская, венгерская и др. На ранних этапах становления они опирались на национальную историю и фольклор и в то же время активно ассимилировали западноевропейский опыт.

Это новое течение породило ряд шедевров, среди которых выделяется «Борис Годунов» М.П.Мусоргского.

В 20 веке способность традиционных оперных форм к обновлению и развитию была убедительно доказана творчеством таких композиторов, как Р.Штраус, Л.Яначек, А.Берг, С.С.Прокофьев, Д.Д.Шостакович, Б.Бриттен, И.Ф.Стравинский и др.

Тогда же возникло множество новых жанров музыкально-театрального искусства, в т.ч. камерная опера, рок-опера, различного рода экспериментальные и синтетические формы.

8. Балет

Балет - вид сценического искусства, содержание которого раскрывается в танцевально-музыкальных образах. Это вид театрального представления, который соединяет в себе несколько вещей: танцы, декорации и музыку. Некоторые балеты имеют сюжет, другие просто отражают идею или настроение. Балету около 500 лет, начал формироваться в Европе в 16 веке. Он возник в Италии, но совершенно отличался от балета сегодняшнего.

В те времена балет был формой дворцовых развлечений. Король Людовик XIV с тринадцати лет принимал участие в балетах. Пятнадцати лет он выступил в роли Солнца в «Королевском балете Ночи», показанном на сцене Малого Бурбонского дворца по случаю победы над Фрондой, и за ним навсегда сохранилось прозвище Король-солнце.

Жившее сначала лишь при дворе, искусство расширяет понемногу ряды своих зрителей, на балеты допускается публика. В балетах выступают уже не только придворные, но все больше профессиональные танцовщики. По мере того как представление выходит за рамки двора, женские роли начинают исполнять мужчины. Меняется и облик балетов.

Таким образом, первыми балетными танцорами были королевские и титулованные особы, профессиональных танцоров не было. Танцевальные па были взяты из элегантных, но довольно простых придворных танцев того времени, и танцоры не надевали танцевальные туфли. Однако такие танцы не называли балетом до начала правления короля Генриха III во Франции.

В 1581 году королева Екатерина Медичи приказала устроить грандиозные празднования в честь королевской свадьбы. Был устроен захватывающий балет, в котором участвовали сотни танцоров, певцов и актеров. Он был поставлен итальянским музыкантом Божуолем, который был, вероятно, первым хореографом или постановщиком танцев. Божуоль назвал свою работу «Королевский комический балет», и с тех пор представления такого рода назывались балетами.

Итальянец Джованни Баттиста Люлли был первым, кто понял, как много музыка в балете может значить. Люлли стал сочинять музыку для всего балета в целом, и уже это придавало осмысленность и единство всей композиции. А хореографом балетов Люлли был Пьер Бошан, талантливый музыкант. Сложилось редкое даже для тех времен сотрудничество: композитор сам был танцовщиком, а хореограф сам был музыкантом, — и между музыкой и танцем возникло более глубокое взаимопонимание. Люлли и Бошан прибавили к картинным выходам танцующих и групповым фигурным танцам, так сказать, танцевальную арию, в которой грация, смена настроений и темпов проявлялись уже не только переменами в строении групп, а гораздо больше переменами в танце одного танцовщика, от которого требовалась теперь истинная виртуозность. Все более важную роль в танце играет прыжок.

Подлинное становление балетного театра началось в эпоху классицизма. Свойственное этому стилю стремление к логичности и разумности побуждало и танец к осмысленному драматургическому строю. Балетный театр начинается там, где движения упорядочиваются, и, пожалуй, первым, кто упорно занялся их систематизацией, был Пьер Бошан. Систему свою он не выдумал, он, скорее, собирал, соединял движения, известные задолго до него, но, соединяя их, придавал им такую форму, чтобы они легко сопоставлялись и перекликались друг с другом.

Создавая свой балет как самостоятельное искусство, живущее партнерством музыки и танца, Люлли и Бошан не напрасно сотрудничали с величайшим драматическим поэтом XVII века Мольером. Новый балет не только заимствовал у словесной драматургии сюжеты, но учился у нее композиции, учился осмысленно связывать и сопоставлять отдельные эпизоды сюжета. Некоторые комедии Мольера — это комедии-балеты, где драматические сцены чередуются с танцами. Таковы «Докучные», «Брак поневоле», «Господин де Пурсоньяк», «Мещанин во дворянстве» и «Мнимый больной». Хотя Мольер сохранил пристрастие к балету до конца дней, балет продолжал жить так, как его устроили Люлли и Бошан.

И так продолжалось более ста лет. Открытия Люлли и Бошана, начиная с классического танца, утвержденного ими под названием «серьезного» или «благородного», даже подвергались потом нападкам как помеха драматическому содержанию и отображению жизни. Французский балет XVII века положил начало понятиям о канонических основах, о незыблемых правилах сценического танца, без которых самостоятельный балетный театр не мог бы существовать.

Расцвет балета связан с романтизмом, начиная со второй трети 19 века, с выдающихся балетмейстеров - Ф.Тальони, ставившего балеты для своей дочери Марии (С 1828 года ведущая солистка Парижской оперы. В 1837- 42 гг. выступала в Петербурге. Гастролировала во многих городах Европы. В историю театра вошла как выдающаяся романтическая балерина, впервые использовавшая танец на пуантах как средство художественной выразительности), Ж.Перро, А.Бурнонвиля, А.Сен-Леона.

В России 19 веке высшие достижения балета связаны с балетмейстерами Ш.Л.Дидло, М.И.Петипа и Л.И.Ивановым.

Петипа в 1847 году перебрался в Петербург, в котором жил до конца жизни, с 1869 по 1903 гг. был главным балетмейстером петербургской балетной труппы.

Хотя Петипа начал ставить еще за границей (среди его ранних балетов «Кармен и ее тореадор»), серьезной балетмейстерской деятельностью он занялся только в России. Долгие годы сотрудничая со штатными балетными композиторами, только в 1890 году Петипа впервые соприкоснулся с серьезной симфонической музыкой. По желанию директора императорских театров И.А.Всеволожского (по его сценарию и с его костюмами) Петипа поставил «Спящую красавицу» П.И.Чайковского. Уже после смерти композитора вместе с балетмейстером Л. И. Ивановым Петипа создал канонический вариант «Лебединого озера», который впоследствии стал символом русского балета. В возрасте 80 лет он поставил свой последний шедевр - «Раймонду» А.К.Глазунова. Творчество позднего Петипа, большой стиль «императорского балета» с восторгом воспринял его последователь — крупнейший классик 20 века Дж. Баланчин.

Петипа не только выдающийся хореограф, создавший золотой фонд классического наследия, который до сих пор составляет основу репертуара крупнейших балетных трупп мира. Он также вдохнул новую жизнь в балеты своих предшественников, сохранив их для потомков: постановки Ф. Тальони, Ж. Перро, Ж. Мазилье, А. Сен-Леона. Среди них: «Тщетная предосторожность», «Жизель», «Эсмеральда», «Корсар», «Коппелия» и др. Благодаря Петипа русский балет к началу 20 веку был лучшим в мире, а Мариинский театр до сих пор называют «домом Петипа», хотя его балеты и сейчас идут в Париже, Лондоне, Токио, Нью-Йорке. Они записаны на видеокассетах в исполнении лучших балерин и танцовщиков мира.

Наиболее известные русские артисты 1-й половины 19 века: А.И.Истомина, Е.И.Андреянова, Е.А.Санковская, конца 19 века - М.Ф.Кшесинская, О.О.Преображенская и др.

Кшесинская в 1890 году окончила балетное отделение Петербургского театрального училища. На выпускном вечере с ней познакомился наследник российского престола, будущий император Николай II, с которым у Кшесинской возник непродолжительный, но бурный роман. В 1890-1917 танцевала в Мариинском театре. Прославилась в ролях Авроры в «Спящей красавице», Эсмеральды, Терезы в «Привале кавалерии» и др. Ее танец отличала яркая артистичность, жизнерадостность. В начале 1900-х гг. была участницей балетов М.М.Фокина: «Евника», «Шопениана», «Эрос». После Февральской революции вынуждена была покинуть свой особняк, который занял Петроградский комитет большевиков, благодаря чему он вошел в советскую историю. В 1920 году эмигрировала из России. В 1929 году открыла свою студию в Париже, где у нее брали уроки классического танца такие знаменитые танцовщицы, как И.Шовире и М.Фонтейн.

Начало 20 века ознаменовано реформаторской деятельностью балетмейстеров М.М.Фокина, А.А.Горского. Огромное влияние на мировой балет оказали «Русские сезоны» за границей, организованные С.П.Дягилевым.

Дягилев родился в дворянской семье, которая увлекалась музыкой, театром, искусством. Сам Дягилев хорошо пел, играл на фортепиано, рисовал, хотя был просто любителем в разных областях искусства. В 1896 окончил юридический факультет Петербургского университета, параллельно занимаясь в консерватории. Был одним из создателей художественного объединения «Мир искусства», которое оказало огромное влияние на культурную жизнь России на рубеже веков. Дягилев занимался организацией выставок старинного русского портрета сначала в России, потом за рубежом, а также ежегодными концертами русских артистов за границей.

В 1908 году он вывез в Париж русские оперы «Борис Годунов» М.П.Мусоргкого, «Руслан и Людмила» М.И.Глинки и др. В 1909 году состоялись и первые совместные оперно-балетные «Русские сезоны» в Париже. В последующие годы он стал вывозить только балет, который пользовался огромным успехом. С началом Первой мировой войны он навсегда покинул Россию, создал за границей постоянно действующую труппу «Русский балет» Сергея Дягилева, которая просуществовала до 1929 года. В течение 20 лет в его антрепризе работали самые выдающиеся балетмейстеры своего времени — М.М.Фокин (для дягилевской антрепризы он создал свои лучшие балеты), В.Ф.Нижинский, Л.Ф.Мясин, Б.Ф.Нижинская, Дж.Баланчин, С.Лифарь. Многих воспитал сам Дягилев. Он всегда был чуток ко всему новому. К тому же, у него был «нюх» на таланты. «Удиви меня», —говорил он постановщикам, когда затевал новые проекты. Именно Дягилев привел в балет лучших художников эпохи. Для сотрудничества Дягилев привлек также крупнейших музыкантов и начинающую талантливую молодежь. У него работали М.Равель, К.Дебюсси, Э.Сати. Дягилев привлек начинающих русских композиторов: И.Ф.Стравинского, создавшего для дягилевской труппы партитуры «Жар-птицы», «Петрушки», «Весны священной», «Свадебки», «Аполлона Мусагета» и др., и молодого С.С.Прокофьев («Шут», «Стальной скок»). У Дягилева танцевали лучшие балерины и танцовщики Мариинского и Большого театров, поначалу совмещая выступления на казенной сцене и зарубежные гастроли. Впоследствии многие из них перешли к Дягилеву, спасаясь от рутины императорской сцены. У Дягилева блистал весь цвет русского балета — А.П.Павлова, Т.П.Карсавина, О.А.Спесивцева, Нижинские, А.Д. Данилова.

Именно благодаря гастролям труппы Дягилева балетное искусство пережило ренессанс. Дягилев оказал огромное влияние на формирование всего балетного искусства 20 века, на отношение к нему серьезных художников. Созданные в его антрепризе балеты до сих пор являются украшением крупнейших балетных сцен мира. Они идут в Москве, Петербурге, Париже, Лондоне, Нью-Йорке. Многие из них сняты на кино- и видеопленку (серия балетов «Париж танцует Дягилева»). О Дягилеве пишутся романы, создаются кинофильмы, театральные представления. Он доказал, что быть импресарио — великое искусство. Хотя сам Дягилев не был художником, его смело можно назвать одним из «отцов» балета 20 века.

В числе наиболее известных российских мастеров: балетмейстеры К.Я.Голейзовский, Ф.В.Лопухов, Р.В.Захаров, В.И.Вайнонен, Ю.Н.Григорович; артисты Г.С.Уланова, М.М.Плисецкая, М.Т.Семенова, О.В.Лепешинская, А.М.Мессерер, К.М.Сергеев, В.В.Васильев, Е.С.Максимова, Н.И.Бессмертнова, М.-Р.Э.Лиепа, Р.Х.Нуреев, М.Н.Барышников и др.

Список использованной литературы

Большая Советская Энциклопедия. – М.: Советская энциклопедия, 1987.

Карп П.М. Младшая муза / П.М.Карп. – М.: Современник, 1997.

Львов М.Л. Из истории вокального искусства / М.Л.Львов. - М., 1964.

Мусский С.А. 100 великих композиторов / С.А.Мусский. - М.: Вече, 2004.

Покровский Б.А. Путешествие в страну ОПЕРА / Б.А.Покровский. - М.: Современник, 1997.

Раабен Л. Камерная инструментальная музыка 1-й половины ХХ в. Страны Европы и Америки / Л.Раабен. - Л., 1986.

Энциклопедический словарь юного музыканта / Сост. В.В.Медушевский, О.О.Очаковская. – М.: изд. Педагогика, 1985.