Аутентичное исполнительство

Аутентичное исполнительство

Суть вопроса: в давние-давние времена композиторы писали много разной музыки. Музыка исполнялась . Потом проходило несколько веков и если кто-то хотел снова исполнить эту музыку, он уже не мог спросить у композитора: "что же Вы хотели этим сказать?", или: "а как же мне играть это место?". Перед ним вставали определенные проблемы так называемого аутентичного исполнительства.

Итак, что главное для интерпретатора музыкального сочинения? Передать мысль, концепцию, чувства. Словом, донести до слушателя все то, что пытался выразить композитор в своем произведении. Без этого исполнение не будет убедительно, и логично выстроено, ибо то, что преподносит нам исполнитель неизбежно вступит в конфликт с написанным в нотах (а там, если приглядеться, написано очень много, а не просто ключи, бемоли, диезы и другие знаки).

Следующий шаг: если мы решили, что необходимо передать авторский замысел, то достаточно ли будет только внутреннего единства? Нет. Необходимо и сходство внешних признаков, таких как: темпы, громкость, штрихи и.т.д. Например: произведение было написано в 17 веке. Как известно, понятие о темпах и динамике в то время были сильно отличны от наших - largo (медленный темп) было не столь затянуто как сейчас, а presto (очень быстрый темп) - менее подвижно. То же и в динамике - не существовало слишком громких и очень тихих звучностей.

Перед нашим воображаемым исполнителем встает законный вопрос: "должен ли я использовать весь арсенал музыкально-выразительных средств, которые доступны в конце ХХ века или точно следовать указаным в нотах обозначениям?"

Вот это - частный случай проблемы аутентичного исполнения. Если же интерпретатор (проще говоря - музыкант-исполнитель) достаточно опытен и хочет следовать авторской воле до конца, то перед ним встают другие, подобные, но еще более интересные дилемы:

Представим себе, что наш исполнитель вспоминает - во времена барокко и Баха общий строй музыки был на 1/4 тона ниже, чем сейчас (проще говоря, ля звучало почти как ля бемоль). Вопрос: "что же теперь - перестраивать инструменты, чтобы добиться понижения строя или убедить себя и слушателей, что эта деталь не играет никакой роли?" Большинство музыкантов, конечно, выберут второе, тем более, если в концерте скрипач играет и Генделя и Шостаковича, то перестройка струн невозможна из практических соображений. Но есть, есть и такие, кто ставит на скрипку специальные жильные струны, приспосабливаются к новой манере игры, осваиваются и все-таки играют "в аутентичной манере".

Что это - действительно желание следовать во всем оригиналу? Или, простите уже перебор? (грубо говоря - стоит ли игра свеч?). Подождите, осталось ведь еще 3 способа достижения единства в стиле.

Первый - да, альты, виолончели и скрипки могут играть в низком строе, хоть и не без усилий. Можно спустить мембрану у литавр, можно настроить даже фортепиано или клавесин (хотя - какой объем работы!) и.т.д. Но все духовые начнут звучать просто ужасно, как только строй опуститься более чем на 3-5 герц (составная тона).

Логически развив идею, приходим к выводу, что идеально правдоподобного звучания можно добиться лишь играя старинную музыку на старинных инструментах. Нелегко собрать большое количество аутентичных, часто музейных или коллекционных инструментов в одном месте для репетиций и записи. Еще труднее найти музыкантов, которые будут мучать себя изучением этих "древних развалюг" (реальное высказывание одного духовика). Однако такое случается и тогда на свет появляются любопытные, а часто уникальные записи. Например, широкую известность приобрел комплект CD c 9 симфониями Бетховена, где весь оркестр состоял из инструментов эпохи автора.

Второй путь - скорректировать состав оркестра, чаще всего это касается струнных в симфонической музыке. Сейчас в оркестре обычно сидит около 26 скрипачей, а для Моцартовской эпохи характерно число в 12-16. Любопытно, что некоторые дирижеры делают все "с точностью до наоборот", например, Светланов в прошлом году исполнил всем известную симфонию № 40 с намеренно увеличенным составом, ибо, как говорил сам маэстро, на самом деле Моцарт желал именно такого звучания.

И последний, редкий и экзотический путь - поменять не что-то в музыке, не инструменты и даже не дирижера :), а все внешнее - надеть подобающие костюмы, зажечь свечи, достать пюпитры из той эпохи... или сделать хотя бы что-нибудь из этого. Выглядит такой концерт красиво. Но действительно ли этот прием будет влиять на качество исполнения?

N.B.: И все-таки, этот вопрос спорен и мне не хочется склонять Вас ни к одной из точек зрения, правило золотой середины, я думаю, действует и здесь.